Un poeta (insumiso) en Londres

"Pocos lugares, en este Londres tumultuoso, son más inspiradores. En pocos puede uno caminar como por aquí, donde cree caminar por su interior." (Eduardo Moga, 'Battersea Park') 

Buenos días amig@s, y bienvenidos a un nuevo post de Culture&Biz. Recientemente tuvimos la oportunidad de asistir a la presentación de Corónicas de Ingalaterra (sic), obra de Eduardo Moga, que tuvo lugar en la librería Laie de Barcelona. Publicado por La Isla de Siltolá (2015), el libro recoge las entradas diarias que el escritor barcelonés realizaba en su blog homónimo durante el año de estancia en la ciudad del Támesis.

"Una fascinante mezcla de diario, crónica de viajes, relato de ficción y memorias personales, con el sello inequívoco de uno de los mejores poetas españoles actuales", puede leerse en la contraportada. La introducción de la sesión estuvo a cargo de José Ángel Cilleruelo, también poeta y autor del prólogo de la obra, y de Juan Vico, escritor.

Eduardo Moga -un alma libre, sin pelos en la lengua- comenzó su parlamento asegurando que "Gran Bretaña y España están muy lejos culturalmente", siendo ese contraste vivo el principal nutriente de sus historias: desde la preeminencia civil frente a la eclesial, hasta la civilidad o no de los debates televisados; sin olvidarse de retratar -con fina ironía- a instituciones intrínsecamente tan británicas como la monarquía, el té, el rugby, los tatuajes o... 'El pub': 

"Los pubs ingleses no se han adaptado a los tiempos: no han seguido el camino de las tabernas españolas, reconvertidas, como el país entero, en lugares de diseño, en locales muy guays y postmodernos, sino que han permanecido exactamente iguales a sí mismos, barrocos, extraños, acogedores, llenos de maderas muy pisoteadas y chimeneas que chisporrotean y cuadros con escenas de barcos y partidos de rugby, deliciosamente anacrónicos. En ellos habla y bebe la gente. Aunque eso no quiere decir que se conozcan."

Eduardo Moga durante la presentación del libro,
flanqueado por Vico y Cilleruelo

Para Moga, el fin más alto de la literatura es "hacernos sentir más, vivir más, ser más". Y defiende la validez del diario como Literatura, con mayúsculas: "un diario no es otra cosa que una forma de esculpir el recuerdo, y lo esencial, a veces, es lo mínimo". Por ello, a lo largo de un año entero, se comprometió a narrar en su blog una historia diaria ("la inmediatez ha sido premeditada"), en las que podía entreverse la evolución de su grado de acomodo o desacomodo a la vida inglesa. "Un diario exige mucho pudor, cierta autocensura y algo de comicidad, saber reírse de uno mismo", quiso puntualizar. El blog no cuenta con imágenes, sólo la palabra prevalece:

"Ayer supe de la muerte (...) de Félix Grande, mientras cruzaba el puente Alberto: leí la noticia en El País. En aquel momento de tránsito -el suyo y el mío-, el mundo parecía tristemente homogéneo: la tarde se difuminaba en el ocaso, y la grisura de la luz que huía se sumaba a la del agua del Támesis, tenuemente plateada, y a la de la bruma, deshilachada entre los plátanos y los sauces. Todo, aire, agua y cielo, parecía cristalizado en un cendal de estaño, envuelto en un sudario sombrío, desgarrado apenas por el frenesí lumínico de los puentes -el de Chelsea, en la distancia, y el del propio puente Alberto- y los puntos suspensivos de las farolas y los coches en ambas riberas del río." ('El club de los poetas muertos')

El autor de Insumisión (Vaso Roto, 2013), uno de cuyos poemas aparece en la entrada 'Don't let idiots ruin your day' ("Los incapaces de silencio: imbéciles..."), se definió como "libresco", y admitió que aunque había llegado tarde al mundo de la blogosfera, "ahora no me quiero ir". Declaró sentirse muy cómodo con este tipo de escritura, llamémosla prosa poética de viajes, más natural y fluida, a diferencia de su medio habitual, la poesía: "Sólo si la palabra se resiste, es poesía". 

La presentación finalizó con la lectura de Moga de una de las entradas últimas del libro, 'Moqueta', buen exponente de esa mezcla de ironía y detalle que recorre toda la obra. Extractamos aquí un párrafo. Hasta el próximo post sinfónico, salud.

"La principal diferencia entre ingleses y españoles no es el idioma, ni el clima, ni la comida, ni siquiera Gibraltar: la principal diferencia entre ingleses y españoles es la moqueta. No hay nada que agrade tanto a unos y que disguste tanto a otros. Para los ingleses, es una comodidad doméstica, que se explica por el clima húmedo y frío: arropa y da calor; permite ir descalzo y tumbarse agradablemente en el suelo (junto al perro). Para los españoles, y, sobre todo, para las españolas, es una cuestión de higiene, porque la moqueta atrapa la porquería como Urdangarín atrapaba sobres o Jordi Pujol, herencias."

PS: el blog Corónicas de Ingalaterra continúa vivo, aunque ya sin periodicidad concreta, puedes seguirlo aquí  

Lecciones de Jimi Hendrix

Buenos días amig@s, y bienvenidos a un nuevo post sinfónico de Culture&Biz. Hace algún tiempo tuve la oportunidad de participar a través de linked'in en una interesante discusión de Andrew Funk sobre la aplicabilidad de los postulados del rock'n'roll al mundo de los emprendedores. 

http://idnews.idaccion.com/rocknroll-para-emprendedores-frases-rockeros/

Sobre la base de una serie de frases célebres atribuidas a rockeros aún más célebres, Andrew apuntaba -con un sentido del humor marca de la casa- las consecuencias que podían ser de utilidad a la hora de montar un negocio.

Mi aportación fue una anécdota recogida en la biografía de Jimi Hendrix (Becoming Jimi Hendrix: the untold story of a musical genius). Recién aterrizado en el Londres de los omnipresentes Cream de Eric Clapton -Clapton is God podía leerse por entonces en las pintadas callejeras- Jimi solicitó ir a ver un concierto del mítico power trio. 

Pero no se conformó sólo con verles: una vez allí le preguntó a Clapton si podía subir a tocar con ellos. ¡Anatema!!. Nadie en todo Londres se hubiera atrevido a semejante osadía. ¡Hablarle al mismísimo Dios!! Pero dejemos que lo cuenten los autores, Roby&Schreiber, mucho mejor sin duda:

"At the Poly (...) Jimi suggested Cream join him on a version of Howlin' Wolf's 'Killing floor'. Jimi's speed, tone and flair were so overwhelming that Clapton ceased playing, stunned, and exited the stage. Chandler (el manager de Hendrix) immediately made his way to Clapton to talk to him: "I went backstage and he was trying to get a match to a cigarette. I said, 'Are you all right?' and he replied, 'Is he that fucking good?' He had heard ten bars, at most."

La conclusión a trasladar al mundo entrepreneurship fue en mi caso: "no te duermas en los laureles, que siempre puede llegar alguien mejor que tú y sacarte del trono". A Andrew creo que le gustó...

Smokin'hot: Jimi Hendrix & Eric Clapton in 1967
(cortesía de The Blues Magazine - Feb'15)

Dado que este es un blog cultural y de gestión, revisemos qué características del genio de Seattle serían aplicables a la vida diaria del directivo y/o líder. Muchas en nuestra opinión, más allá de las aptitudes innatas que cada uno pueda tener:

• Sencillez (toda una manera de ser, según se desprende de su biografía)
• Pasión (por todo lo que hacía, lo vivía al máximo)
• Esfuerzo (horas, horas y más horas de ensayos)
• Eficacia (conseguir mucho con poco, con una banda de solo tres integrantes obtenía más música verdadera que algunos con una filarmónica detrás)
• Innovación (nueva forma de tocar -siendo zurdo utilizaba una guitarra de diestro puesta del revés-, shows incendiarios, trucos pirotécnicos...)
• Humildad (en una ocasión le preguntaron '¿Qué se siente al ser el mejor guitarrista del mundo?', a lo que respondió, 'Don't know, ask Rory Gallagher')
• Osadía (para enfrentarse a la competencia, ¡y en su terreno!)
• Respeto (por los maestros, "Blues, man, Blues. For me that's the only music there is")
• Solidez (conocimiento exhaustivo de la técnica)
• Placer (disfrutaba en su puesto de trabajo)

Nada más por hoy, esperamos que esta entrada haya sido de vuestro agrado. Os dejamos por alusiones con el gran Rory Gallagher, hasta el próximo post sinfónico... BLUES!

PS.- Como curiosidad final, en su propia autobiografía, Clapton relata así el legendario encuentro en la cumbre:

"The song Jimi wanted to play was by Howlin' Wolf, entitled 'Killing Floor'. I thought it was incredible that he would know how to play this, as it was a tough one to get right. Of course Jimi played it exactly like it ought to be played, and he totally blew me away (...) He played the guitar with his teeth, behind his head, lying on the floor, doing the splits, the whole business. It was amazing, and it was musically great, too, not just pyrotechnics.

Even though I had already seen Buddy Guy and knew that a lot of black players could do this kind of stuff, it's still pretty amazing when you're standing right next to it. The audience was completely gobsmacked by what they saw and heard, too. They loved it, and I loved it, too, but I remember thinking that here was a force to be reckoned with. It scared me, because he was clearly going to be a huge star, and just as we were finding our own speed, here was the real thing."

Disparos estivales

"Tal es mi poesía: poesía-herramienta / a la vez que latido de lo unánime y ciego. / Tal es, arma cargada de futuro expansivo / con que te apunto al pecho." (Gabriel Celaya, La poesía es un arma cargada de futuro) 

Pedro Salinas
(1891-1951)

"Ni en el llegar, ni en el hallazgo
tiene el amor su cima:
es en la resistencia a separarse
en donde se le siente,
desnudo, altísimo, temblando."

(de '¿Serás, amor...')
Razón de amor (1936)

ºººººº

Carmen Conde
(1907-1996)

"Desnuda y adherida a tu desnudez
Mis pechos como hielos recién cortados,
en el agua plana de tu pecho.
Mis hombros abiertos bajo tus hombros.
Y tú, flotante en mi desnudez.

Alzaré los brazos y sostendré tu aire.
Podrás desceñir mi sueño
porque el cielo descansará en mi frente."

(de 'Hallazgo')
Ansia de la gracia (1945)

ºººººº

Miguel Hernández 
(1910-1942)

"Quiero escarbar la tierra con los dientes,

quiero apartar la tierra parte a parte

a dentelladas secas y calientes.

Quiero mirar la tierra hasta encontrarte

y besarte la noble calavera

y desamordazarte y regresarte."

(de 'Elegía a Ramón Sijé')

El rayo que no cesa (1936)

ºººººº

José Agustín Goytisolo
(1928-1999)

"Miedo; bendito miedo
que propicia el deseo
la agonía y el rapto
de los que mueren juntos
y resucitan luego."

(de 'Esa flor instantánea')
La noche le es propicia (1992)

ºººººº

Joan Margarit
1938

"En alguna ciutat del pensament
jo t'estaré estimant
quan marqui la teva hora solitària
l'esfera de la lluna sobre el mar."

(de 'La primera vegada')
Poemes d'amor (2013)

ºººººº

Luis Alberto de Cuenca
1950

"Apagaste las luces y encendiste la noche.
Cerraste las ventanas y abriste tu vestido.
Olía a flor mojada. Desde un país sin límites
me miraban tus ojos en la sombra infinita."

(de 'Nocturno')
Su nombre era el de todas las mujeres (2013)

ºººººº

Luis García Montero
1958

"Aquel temblor del muslo
y el diminuto encaje
rozado por la yema de los dedos,
son el mejor recuerdo de unos días
conocidos sin prisa, sin hacerse notar,
igual que amigos tímidos."

(de 'Recuerdo de una tarde de verano')
Poesía Completa (1980-2015)

ºººººº

Karmelo C. Iribarren
1959

"Un teléfono arrancado,
un coche celular que frena, me mira
y vuelve a acelerar,
restos de una barricada ardiendo,
los semáforos como muertos puestos de pie,
este frío
que casi impide
respirar:
             esa es
la inhóspita geografía
que he atravesado esta noche
para llegar hasta ti.
                              Tu piel,
mi país: donde el sol
se quedó a vivir."

(Mi país)
Seguro que esta historia te suena
Poesía completa (1985-2015)



Buenas vacaciones, amig@s


PS: gracias a Patri Salvador por el asesoramiento general, y en especial por la obra de Goytisolo; a Merche García por descubrirme a Karmelo y a Loquillo por Luis Alberto (la selección de extractos es propia)

Why Mahler?

"The most we can expect from art is to help us live in peace with ourselves. This, at best, is Mahler's contribution to modern world" (Norman Lebrecht)

"My time will come" (Gustav Mahler)

Buenos días amig@s, y bienvenidos a la entrada mensual de Sinfonía Empresarial, el blog de Culture&Biz. En esta ocasión, viajaremos a la Viena de finales del siglo XIX y principios del XX, la belle époque y sus estertores. Y lo haremos para revisitar la figura de uno de los más grandes compositores de la historia, el austríaco Gustav Mahler.

Decía el veterano director de orquesta francés Pierre Boulez que la historia de la música clásica tiene un hilo conductor claro, es un continuo que enlazaría a Bach, Haydn, Beethoven, Wagner y finalmente Mahler. Gustav Mahler sería el punto de conexión entre el final de la etapa romántica y la época contemporánea.

El año pasado pude presenciar en el festival In-Edit Beefeater de Barcelona el magnífico documental Conducting Mahler, donde una serie de maestros -Claudio Abbado y Riccardo Muti entre ellos- opinaban sobre la figura del compositor y el reto que suponía dirigir sus obras, especialmente las sinfonías. Ello me llevó a indagar más sobre él, hasta que di con la biografía de Norman Lebrecht: Why Mahler?.

Gustav Mahler (1860-1911)

La primera grata sorpresa del libro es la estupenda radiografía personal que realiza del compositor. No puede entenderse la música de Mahler sin antes comprender el personaje que hay detrás. Un hombre que a la temprana edad de 6 años ya disfrutaba leyendo la versión en alemán del Quijote sin duda apunta alto. Como él mismo afirmaba hacia el final de sus días: "I was honest in my intentions and I set my sights high..."

Una personalidad retraída, sombría en muchas ocasiones, con reconocidos altibajos emocionales ("Yet I have not escaped my destiny"), pero finalmente valiente y que amaba la vida: no rehuía el dolor o el pesar, sino que por contra los abrazaba como "íncubo creativo", nos dice Lebrecht. Para Mahler, la música no existía por el placer en sí, sino que tenía el potencial de "sacudir el mundo de la ética y de la política".

Retrato de Daniel-Henry Kahnweiler 
Picasso, 1910

Según Norman Lebrecht, 'conflicto' y 'contradicción' son la esencia del arte mahleriano, y "las fragmentadas y angulares caras de la rupturista obra de Picasso, el reflejo perfecto de las múltiples capas del compositor austríaco". Su música es sinónimo de resiliencia individual en la "olla a presión" que es nuestra sociedad actual. Sin duda, Mahler predicaba con el ejemplo: es conocida su autodenominación de "three-times homeless", haciendo referencia a sus raíces judías, la lengua alemana con la que se expresaba en los EE.UU. y sobre todo a su "ineluctable sentido de no pertenecer a ningún lugar en concreto".

Mahler defendía, en contra de muchos de sus coetáneos que abogaban por la rigidez estructural de las composiciones, que las sinfonías debían ser un ente vivo, tratando siempre de reflejar "the whole messy world". "La sinfonía debe ser como el mundo, debe comprenderlo todo". Él mismo, que estrenó en el podio sus primeras 8 sinfonías, era conocido por acelerar o ralentizar determinados pasajes en función de su estado de ánimo. La acústica de la sala también era un hecho relevante a tener en cuenta: la orquesta debía adaptarse siempre a ella.

The Kiss (Lovers)
Gustav Klimt, 1908-09

Desde su 'Primera' Sinfonía (compuesta entre 1887-88 y estrenada en Budapest al año siguiente) hasta la 'Novena' (acabada en 1809 y estrenada ya fallecido el compositor), tanto la fluidez -un concepto "sorprendentemente post-moderno", en palabras de Lebrecht- como la morbidez -una característica "intrínsecamente mahleriana y vienesa"- estarían presentes constantemente en su obra, que en Why Mahler? es diseccionada en detalle por el autor (incluyendo un apartado final con grabaciones recomendadas y consejos prácticos para adentrarse en el mundo sonoro de Gustav Mahler).

"Each symphony is a search engine for inner truths. To know Mahler is, ultimately, to know ourselves" (N. Lebrecht)

Profesional extraordinariamente exigente con músicos y cantantes, esa fluidez en la interpretación de sus obras contrastaría con su demanda de fidelidad absoluta a las partituras de otros maestros: "Accuracy is the soul of artistic performance". De nuevo presente la contradicción mahleriana, ya que en otra ocasión manifestaría que la máxima pretensión de su carrera como director era "estampar su marca personal en todas las interpretaciones", en la estela de su admirado Richard Wagner.

En noviembre de 1901, durante una cena en la que también estaban presentes los líderes del Movimiento Secesionista vienés Carl Moll y Gustav Klimt, conocería a la que se convirtió poco después en su mujer, pero inmediatamente en su musa: Alma Schindler.

"It happened overnight: I would never have imagined that counterpoint and music theory would disturb my heart again" (G. Mahler)

Alma Maria Mahler Gropius Werfel (nacida Alma Maria Schindler en 1879, y por tanto 19 años más joven que el compositor), fue una celebridad social de la Viena de finales del siglo XIX, reconocida por su cultura, belleza y vida social liberal. Según el propio Klimt se trataba de "a rare, unusual kind of girl", y ella misma reconocía que "I don't lack talent, but my attitude is too frivolous...". Compositora y melómana empedernida, por sus diarios publicados sabemos que también quedó gratamente impresionada de aquel primer encuentro con Gustav:

"I liked him immensely, although he is very restless (...) The fellow is made entirely of oxygen. When you get near him, you get burnt" (Alma M.)

Alma Mahler (1879-1964)

Absolutamente rendido a sus encantos, para ella escribiría el compositor austríaco algunas de sus creaciones más celebradas, en especial el famosísimo Adagietto de su 'Quinta' Sinfonía, que Luchino Visconti haría aparecer oportunamente en su recreación de la 'Morte a Venecia' de Thomas Mann. De hecho, el propio Mann se inspiraría en Mahler para componer el personaje principal de su novela.

En 1907 Mahler deja su Filarmónica de Viena tras 10 años en el podio ("I feel I have completed my circle") para viajar a los EE.UU. a dirigir la Metropolitan Opera House de Enrico Carusso y Melba/Tetrazzini. Tras su exitoso debut el día de año nuevo de 1908 dirigiendo el Tristan und Isolde -"Triumph is immediate", escribiría Alma en su diario- Mahler pasará tres felices años en América, donde a diferencia de su Viena natal "nadie es más que nadie".

Thomas Mann se inspiraría en la figura de Gustav Mahler
para crear a su protagonista, Gustav Aschenbach

En 1909 acabará su 'Novena' Sinfonía ("My ninth is finished!"), para muchos entendidos su cúspide creativa. Herbert von Karajan declararía de ella que "it's music from another world, music from eternity", mientras que Otto Klemperer, el último discípulo de Mahler, afirmó que era "not only his last but also his greatest achievement". 

Pero cuando todo parecía irle de cara, en el verano de 1910 Alma conoce a Walter Gropius, un arquitecto berlinés, e inmediatamente se hacen amantes. "Two souls met, and the body was forgotten", escribiría ella. Mahler -quien había sido capaz de superar la muerte precoz de una de sus hijas con Alma- no podría con esto. En los márgenes de las partituras originales de su inacabada 'Décima' Sinfonía escribió:

"The devil dances with me

Madness, take me, cursed one!

Farewell, my lire

To live for you!

To die for you!

Almschi"

Gustav Mahler fallecería poco después, un lluvioso 18 de mayo de 1911, de una dolencia cardíaca. Según relata Alma, presente en los instantes finales, su último consejo fue para Anna, la hija de ambos ("Be my good girl, my child"), mientras que la postrera palabra pronunciada por el compositor antes de expirar fue sintomática: "Mozartl" (pequeño Mozart). Su viuda le sobreviviría muchos años, se casaría dos veces más y se convertiría en un polo de atracción cultural en los EE.UU. (para l@s que quieran profundizar en el personaje les recomendamos la obra Malevolent Muse: The Life of Alma Mahler, de reciente aparición).

Ensayo final de la premiere mundial de la 'Octava', conocida
también como "la Sinfonía de los 1.000". Aquel septiembre de 1910
se reunieron en Munich personalidades culturales de la talla de
Thomas Mann, Richard Strauss, Siegfried Wagner o Saint-Säens, en lo
que Lebrecht califica de "Europe's last pre-war cultural convocation" 

Para el autor de la biografía, Mahler es un ejemplo práctico de cómo vivir una vida creativa. Él nos mostró el coraje de su resiliencia, y nos enseñó que la diferencia entre lo "ordinario" y lo "excelente" es ese "último grado de esfuerzo" ("Striving is all"). También que la dignidad sobrevive siempre a la derrota. En cuanto a su música, en las páginas finales del libro puede leerse: 

"Mahler offers breadth and depth to the thought process. He urges us to see the bigger picture (...) He was confident of his durability. In art, there is no other way" (N. Lebrecht)

Hasta el próximo post, amig@s. Os dejo con la rendición del Adagietto por Valery Gergiev y la World Orchestra for Peace.

Nobility of spirit: a forgotten ideal

“Sólo el ideal promueve el progreso moral colectivo; sin él estamos condenados a conformarnos con el orden establecido. Preservar en la vida una cierta ingenuidad es lección de sabiduría porque permite sentir el ideal aun antes de definirlo” (Javier Gomá)

Buenos días amig@s, y bienvenidos al post mensual de Culture&Biz. Recientemente os hablábamos de la idea de Europa a través de una lectura de George Steiner, prologada por el director del Instituto Nexus, Rob Riemen. Ciertamente Europa –no como problema, sino como solución, que diría Ortega– es un tema querido en este blog.

Pues bien, hoy os queremos presentar un libro del propio Rob Riemen, a su vez prologado por George Steiner, y que trata de un tema íntimamente ligado con la historia de la civilización europea: ‘Nobility of spirit: a forgotten ideal’, editado por Yale University Press en 2008. 

El director del Nexus Instituut -quien nos ha dado su autorización para publicar la entrada de hoy- repasa en su obra reflexiones de algunas de las mentes más ilustradas de la historia de Europa: Sócrates, Pericles, Thomas Mann, Albert Camus, Nietzsche, Baltasar Gracián, Jeanne Hersch, Alexander Herzen, etc.

Y nos acerca la sabiduría de estas personalidades sobre algunos temas ‘fundacionales’ de la civilización del viejo continente, como son la verdad, el humanismo, el propio arte, la eternidad, la justicia, la democracia… y la nobleza.

“Without nobility of spirit a democracy will fail, because of its own freedom” (Nietzsche)

Es Thomas Mann quien abre el fuego dialéctico en un extenso primer capítulo del libro ('The Quest of Thomas Mann'), donde Riemen nos relata la búsqueda del premio Nobel alemán en pos del concepto de eternidad. Mann –"probablemente el último representante del humanismo puro", en palabras introductorias de George Steiner– afirmaba que “los valores humanísticos clásicos, que hunden sus raíces en Socrates y Platón, privilegian la vida de la mente”, y a su vez estaban sostenidos por el arte de la conversazione.

“As long as we can keep talking to each other, there is hope for civility and the pursuit of truth” (Mann)

Thomas Mann

Desgraciadamente, para el autor de La montaña mágica, conocido entre sus amigos como el 'presidente de la república espiritual', ya en los años 20 del pasado siglo podía afirmarse que “en un mundo politizado, el arte está sufriendo el mismo destino que la moral; el arte está subordinado a la ideología” (de esto sabemos mucho por aquí). En cuanto al santo grial de la eternidad, Thomas Mann declaró que la verdad no era del dominio particular de nadie, y que “la humanidad está mucho mejor servida por la búsqueda de esa verdad que por su presunta propiedad”.

“European culture is suffering the same agony because eternity has been lost; the everchanging world constantly demands new forms for revealing the truth. Another word for this forms is CULTURE” (Mann)

En el capítulo central del libro ('Untimely Conversations on Timely Questions'), y apoyándose en numerosas conversazioni de ilustres antepasados, Rob Riemen vuelve a la carga con el concepto de justicia y la célebre sentencia socrática –“Unless philosophers become kings…”–, en la que el filósofo griego establecía que la mejor opción de gobierno era dar el poder a los ‘sabios’, quienes a su juicio estaban más capacitados para “hacer lo que es mejor” y discernir entre “el bien y el mal”.

Rob Riemen, presidente del Nexus Instituut

Es el mismo Riemen quien asume que “Sócrates sabía perfectamente que esa solución era inviable”, no sólo por la corrupción de muchos de esos 'true philosophers' sino porque la propia sociedad, al considerarlos excéntricos, no hubiera permitido que éstos alcanzaran posiciones de liderazgo.

“The true philosopher could never be king; he could only be a model. The perfect society would never exist” (Riemen)

Albert Camus

Pero es probablemente Albert Camus, otro premio Nobel, quien más crítico se muestra con la figura del ‘intelectual’. Tras afirmar que “la única cosa que justifica la existencia de los intelectuales es su responsabilidad para con el mundo de las ideas y la nobleza del espíritu”, y en una conocida reunión a la que asistireron entre otros Malraux y Sartre, se pregunta en voz alta: “¿no creéis que somos todos responsables de la falta de valores?. Estamos luchando contra una mentira (el totalitarismo) en nombre de un cuarto de verdad. Es ese cuarto de verdad lo que llamamos libertad".

Para el filósofo francés, la eterna cuestión sobre el 'significado' de la vida está siendo sustituida por su 'objetivo'. “The goal is happiness, and (we asume that) politics will provide that”. Y remata con una puya de gran actualidad, de las más discutibles del libro en nuestra opinión:  

“Politicized intellectuals abandon the world of spirit for the sake of political power. The excuse is that the world needs to be changed, not interpreted. And end to injustice!” (Camus)

Baltasar Gracián

También hay espacio en el ensayo de Rob Riemen para el jesuita y filósofo español Baltasar Gracián, autor de Oráculo: manual y arte de prudencia, quien defendía que “la cultura hace al hombre, y cuanto más grande sea aquella mejor será el individuo”.

“It is the material weight that gives its value to gold, and moral weight which gives value to man” (Gracián)

Por su parte, la filósofa suizo-polaca Jeanne Hersch carga de nuevo contra los intelectuales: “The addiction of the twentieth-century intellectuals is ‘le baratin’ –chatter devoid of responsibility”. Posteriormente, reflexiona sobre que, en la jerarquía de actividades humanas, “el arte debe estar ubicado por encima de la filosofía”, finalizando con un sabio consejo:

“We should not despair because of errors or sins; the past is not closed, it receives meaning from our present actions” (Hersch)

El tercer y último capítulo de Nobility of Spirit lleva por sugerente título ‘Be brave’, y se inicia con una cita de Pericles, el político, arengando a las masas a propósito de su ciudad, Atenas, que reproducimos íntegra por su actualidad:

“A city that had the courage to be a democracy, where citizens coexisted in freedom and mutual tolerance. Respect for traditions and ancestors go hand in hand with a mind that is open to new developments and to giving every free citizen an opportunity to grow into an independent individual. A society in which people loved beauty without being wasteful and respected wisdom without being weak. Athens was a training ground for the rest of the world” (Pericles)

Pericles' Funeral Oration (Perikles hält die Leichenrede)
by Philipp Foltz (1852)

Tras pasar revista al escritor y pensador ruso Alexander Herzen, quien en fecha tan temprana como abril de 1870 ya afirmaba que “the old, oficial Europe that one can see is not asleep –it is dying! Everything has become the police”, el presidente del Nexus Instituut finaliza el capítulo (y el libro) volviendo a Sócrates, que sin duda pensaba en el mundo de la consultoría cuando afirmó que “plantear las preguntas adecuadas proporciona mayor conocimiento a la existencia humana que repetir acríticamente respuestas que otros nos dan”.

En el juicio al que se verá sometido hacia el final de su vida, bajo la acusación de “sembrar la duda entre la juventud”, el filósofo ateniense declararía en su defensa que “la esencia de la verdadera valentía no radica en la conducta heroica respecto de los demás, sino en el coraje de atreverse a ser sabio uno mismo". El coraje de atreverse a ser sabio uno mismo..., ¿qué gran declaración de principios, verdad? Aunque de poco le sirvió...

“Long ago, I chose to be loyal to the quest for truth. You know that I am not going to alter my way of life, not even if I have to die a hundred deaths” (Sócrates)

La Mort de Socrate, de Jacques-Louis David (1787)

Qué diferente aproximación vital a la de Aristóteles y su doctrina del "justo medio"... En fin, eso es todo por hoy, amig@s, hasta el próximo post sinfónico, os dejamos con un poco de música antigua. Nada menos que Jordi Savall interpretando Bach, en el simposium School of Civilization del Nexus Instituut. Espero que os guste.

PS: respecto a Pericles y su arenga es necesario profundizar algo, como sucede casi siempre en la esfera política. En el muy recomendable Más allá de la filosofía: escritos sobre cultura, arte y literatura, de Hannah Arendt, Editorial Trotta, 2014, la pensadora alemana nos recuerda que "la polis y la política eran la razón por la que los griegos se consideraban superiores a los bárbaros". (op.cit. p.48). A pesar de su elogio de la belleza y la sabiduría, el propio Pericles llegó a afirmar en otro momento que "parte de la grandeza de Atenas consistía (precisamente) en no necesitar a Homero y a los poetas (...) para lograr que aquellas cosas que se han dicho y hecho se tornen inmortales". El eterno conflicto entre política y arte: qué principios deben aplicarse en el espacio público, los comunes a la acción (políticos) o los comunes a la producción (culturales)